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a lo largo de los siglos XVII y XVIII, los artistas y arquitectos europeos adoptaron un estilo cada vez más elaborado., Conocido como barroco, este enfoque se caracteriza por una estética ornamentada y exagerada que evoca la etérea y pretende inspirar asombro.

hoy en día, el período barroco sigue siendo uno de los movimientos culturales más celebrados en la historia del arte occidental. Aquí, echamos un vistazo a este estilo extravagante, explorando la historia y la evolución de su exuberante arte y arquitectura.

¿Cuál fue el período Barroco?

nombrado en honor a barroco, un término portugués para una perla de forma irregular, el período barroco se define por la grandeza y opulencia de su arte y arquitectura., Con raíces en Roma, el movimiento se extendió por Italia y otros países europeos entre 1600 y 1750, haciéndose particularmente popular en Francia, España y Austria.

Nicolas Poussin, ‘a Bacchanalian Revel before a statue of Pan’ (ca. 1632-1633) (foto: The National Gallery, Londres vía Wikimedia Commons Public Domain)

como el período barroco se superpuso con el Renacimiento italiano, no es sorprendente que los dos movimientos compartieran algunas similitudes estilísticas., Tanto los artistas barrocos como los renacentistas emplearon realismo, colores ricos y temas religiosos o mitológicos, mientras que los arquitectos que trabajaban en ambos estilos favorecieron el equilibrio y la simetría. Sin embargo, lo que distingue al estilo barroco de su contraparte renacentista es su extravagancia, una característica evidente tanto en su arte como en su arquitectura.

Arte Barroco

pintura

mientras que el tema e incluso el estilo pueden variar entre las pinturas barrocas, la mayoría de las piezas de este período tienen una cosa en común: el drama.,

en la obra de pintores conocidos como Caravaggio y Rembrandt, el interés por el drama se materializa como intensos contrastes entre la luz radiante y las sombras que se avecinan.

Caravaggio, «La vocación de San Mateo’ (ca., 1599 o 1600) (foto: Ibiblio vía Wikimedia Commons Public Domain)

Rembrandt, ‘the Nightwatch’ (1642) (Foto: the Rijksmuseum vía Wikimedia Commons Public Domain)

artistas barrocos como Gentileschi, Poussin y Rubens lograron un mayor sentido del drama a través del movimiento. A menudo, esta iconografía llena de acción se inspiró en cuentos de la Biblia e historias de la mitología antigua.

Gentileschi, ‘David and Goliath’ (ca., 1605-1607) (foto: vía Wikimedia Commons Public Domain)

Además de composiciones enérgicas, Rubens capturó el drama a través de su rica y radiante paleta de colores. «Rubens evitó pintar de tal manera que el color se hundió. La claridad luminosa de su trabajo fue una prueba de la excelencia de su técnica», explica el artista Max Doerner en los materiales del artista y su uso en la pintura. «Sus colores tenían tanto brillo y medio de encuadernación dentro de sí mismos, que, como los cuadros De Van Eyck, tenían un brillo sin necesidad de ser barnizados.,»

Peter Paul Rubens, ‘Samson and Delilah (ca. 1609-1610) (foto: The National Gallery, Londres vía Wikimedia Commons Dominio Público)

escultura

Las esculturas figurativas de bronce y mármol producidas durante este período muestran un interés por el dinamismo. A través de siluetas giratorias, contornos retorcidos y cortinas fluidas, escultores como Bernini fueron capaces de evocar el movimiento. Los elementos añadidos como los accesorios de agua a menudo mejoraron este enfoque teatral.,

Bernini, ‘Apolo y Dafne’ (1622-1625)

Al igual que las estatuas renacentistas, incluido el icónico David de Miguel Ángel, las esculturas barrocas a menudo estaban destinadas a adornar edificios señoriales. También fueron encargados para otros escenarios grandiosos, como los interiores dorados de las iglesias y los jardines reales.,

Bernini, «El Éxtasis de Santa Teresa’ (1647-1652)

Charles Le Brun, La Fuente de Apolo en los Jardines de Versalles (1668-1671)