Inizi del Rococò

Nella pittura Il Rococò fu influenzato principalmente dall’uso del colore, dei soggetti erotici e dei paesaggi arcadici da parte della Scuola veneziana, mentre la Scuola di Fontainebleau fu fondamentale per l’interior design rococò.

La Scuola veneziana

I noti pittori Giorgione e Tiziano, tra gli altri, influenzarono l’enfasi del periodo rococò sul colore vorticoso e sulla materia erotica. Concerto Pastorale (c., 1509), prima attribuito a Giorgione, anche se ora accreditato dalla maggior parte degli studiosi come uno dei primi lavori di Tiziano, è stato classificato come una Fête champêtre, o festa all’aperto, dal Louvre quando entrò a far parte della collezione del museo. L’opera rinascimentale raffigurante due donne nude e due uomini aristocratici che suonano musica in un paesaggio pastorale idealizzato influenzerebbe pesantemente lo sviluppo della Festa galante rococò, o dipinti di corteggiamento. Il termine si riferiva a dipinti storici di tempi passati piacevoli e divenne popolare nelle opere di Jean-Antoine Watteau.,

Scuola di Fontainebleau 1528-1630

Nel 1530 il re Francesco I, noto mecenate d’arte, invitò l’artista italiano Rosso Fiorentino alla corte francese, dove, pionieristico lo stile cortese del manierismo francese, Rosso fondò la Scuola di Fontainebleau. La scuola divenne nota per il suo stile unico di interior design in cui tutti gli elementi creavano un’unità altamente coreografata., Rosso fu il pioniere dell’uso di grandi rilievi in stucco come cornici, adornate con motivi decorativi e dorati che avrebbero influenzato pesantemente l’enfasi del Rococò sulle ambientazioni elaborate.

La doratura fu un contributo fondamentale di Fontainebleau, fornendo uno squisito splendore agli oggetti esposti nella famosa Saliera di Benevento Cellini (1543), che Francesco I commissionò in oro., Anche semplici elementi di interni rococò è diventato molto accentuato come si è visto nella popolarità di orologi cartel, incorporando orologi regolari in ambienti intricati che assomigliavano pezzi di scultura, e che senza soluzione di continuità completato l’aspetto generale dei loro interni circostanti.,

L’era del design rococò

Il rococò debuttò nell’interior design quando l’incisore Pierre Le Pautre lavorò con l’architetto Jules Hardouin-Mansart allo Château de Marly (1679-1684), e successivamente a Versailles nel 1701 quando ridisegnò gli appartamenti privati di Luigi XIV. Le Pautre ha aperto la strada all’uso degli arabeschi, impiegando una linea a forma di s o a forma di c, posizionata su pareti e soffitti bianchi. Ha anche usato pannelli con inserti in legno dorato, creando uno stile stravagante e leggero., Le Pautre era principalmente conosciuto come ornemaniste, o designer di ornamento, che riflette il ruolo popolare all’epoca di artigiani e artigiani nello sviluppo dello stile altamente decorativo.

Durante il regno di Luigi XIV, la Francia era diventata la potenza europea dominante, e la combinazione di grande ricchezza e stabilità pacifica ha portato i francesi a rivolgere la loro attenzione verso gli affari personali e il godimento dei piaceri mondani., Quando il re morì nel 1715, il suo erede Luigi XV aveva solo cinque anni, quindi la Reggenza, guidata dal Duca d’Orléans, governò la Francia fino alla maggiore età del Delfino. Il Duca era noto per il suo stile di vita edonistico, e l’estetica rococò sembrava la perfetta espressione della sensibilità dell’epoca. Prendendo il trono nel 1723, Luigi XV divenne anche un noto sostenitore e mecenate dell’architettura e del design rococò. Poiché la Francia era il centro artistico dell’Europa, le corti artistiche di altri paesi europei presto seguirono l’esempio nel loro entusiasmo per abbellimenti simili.,

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau ha guidato il periodo rococò nella pittura. Nato a Valenciennes, un piccolo villaggio di provincia in Belgio che era stato recentemente aderito ai francesi, la sua precocità nell’arte e nel disegno ha portato al suo primo apprendistato con un pittore locale. Successivamente si recò a Parigi dove si guadagnò da vivere producendo copie di opere di Tiziano e Paolo Veronese., Si unì allo studio di Claude Audran, che era un rinomato decoratore, dove incontrò e divenne un collega artistico di Claude Gillot, noto per la sua decorazione della commedia dell’arte, o produzioni teatrali comiche. Di conseguenza, il lavoro di Watteau ha spesso espresso un approccio teatrale, mostrando figure in costume tra scenari di sfondo, illuminate da luce artificiale.

Nel 1712 Watteau partecipò al concorso Prix de Rome dell’Académie Royale de Peinture et de Sculpture, e l’Accademia lo ammise come membro a pieno titolo., Il suo “pezzo di ricezione” per l’Accademia, Embarkation for Cythera (1717), lanciò efficacemente il movimento rococò. L’Accademia coniò il termine Fête galante, o festa di corteggiamento, per riferirsi all’opera, stabilendo così la categoria che doveva essere un elemento dominante della pittura rococò. I dipinti di Fête galante raffiguravano la fête champêtre, o festa in giardino, popolare tra la classe aristocratica, dove, vestiti come per un ballo o indossando costumi, bevevano, cenavano e si impegnavano in attività amorose all’interno di giardini e parchi arcadici., Il soggetto artistico non solo ha fatto appello ai mecenati privati, ma i suoi paesaggi e le sue ambientazioni mitologiche hanno soddisfatto gli standard dell’Accademia che ha classificato la pittura storica, compresi i soggetti mitologici, come la categoria più alta.

Claude Audren era il custode ufficiale del Palazzo del Lussemburgo e, mentre lavorava con lui, Watteau copiò la serie di ventiquattro dipinti di Peter Paul Ruben della Vita di Maria de’ Medici (1622-25), che fu esposta al palazzo., La serie di Ruben, combinando figure allegoriche e soggetti mitologici con raffigurazioni della Regina e della corte aristocratica, continuò a informare il lavoro di Watteau. Rubens era stato il pioniere della tecnica dei pastelli trois, ovvero tre gessetti, una tecnica che utilizzava il rosso, il nero e il bianco per creare effetti coloristici. Watteau padroneggiò la tecnica a tal punto che il suo nome divenne associato ad essa, e fu ampiamente adottato dagli artisti rococò successivi, tra cui François Boucher.,

François Boucher

Influenzato da Rubens e Watteau, François Boucher, è diventato il più famoso artista maturo Rococò, inizio nel 1730 e dura fino al 1760. Noto per la sua pittura che, combinata eleganza aristocratica erotico trattamenti di nudo, come si è visto nel suo Bagno di Venere (1751), è stato altrettanto importante nelle arti decorative, ambienti teatrali, e di tappezzeria di design., Fu nominato primo pittore del re nel 1765, ma è più noto per la sua lunga associazione con Madame de Pompadour, la prima amante ufficiale del re Luigi XV e un noto mecenate delle arti. Come risultato della sua padronanza dell’arte e del design rococò e del suo patronato reale, Boucher divenne “uno di quegli uomini che rappresentano il gusto di un secolo, che lo esprimono, personificano e incarnano”, come hanno scritto i noti autori Edmond e Jules de Goncourt.,

Madame de Pompadour

Madame de Pompadour, nata Jeanne-Antoinette Poisson, è stata chiamata la “madrina del Rococò,” a causa della sua centralità nel promuovere lo stile e istituisce Parigi come capitale artistica d’Europa. Ha influenzato ulteriori applicazioni del Rococò grazie al suo mecenatismo di artisti come Jean-Marc Nattier, lo scultore Jean Baptiste Pigalle, il disegnatore di carte da parati Jean-Baptiste Réveillon e l’incisore di pietre preziose Jacques Guay., La prima amante ufficiale del Re dal 1745 al 1751, rimase la sua confidente e consigliere di fiducia fino alla sua morte all’età di 42 anni a causa della tubercolosi. Il suo ruolo e il suo status divennero la definizione de facto del patronato reale.

Rococò: Concetti, stili e tendenze

Rococò francese

La Francia era il centro dello sviluppo del Rococò. Nel design, il salone, una stanza per intrattenere ma anche impressionare gli ospiti, è stata una grande innovazione., L’esempio più famoso fu La Salon de la Princesse di Charles-Joseph Natoire e Germain Boffrand (1735-1740) nella residenza del principe e della principessa de Soubise. Le pareti bianche dell’interno cilindrico, il legno dorato e molti specchi hanno creato un effetto luminoso e arioso. Decorazioni arabesque, spesso alludendo a motivi romani, amorini, e ghirlande, sono stati presentati in stucco oro e piastra di rilievo. Le curve asimmetriche, a volte derivate da forme organiche, come conchiglie o fronde di acanto, erano elaborate ed esagerate., L’enfasi minima sull’architettura e la massima enfasi sull’arredamento sarebbero diventate la pietra angolare del movimento rococò.

La pittura era una parte essenziale del movimento rococò in Francia, e i noti pittori che guidarono lo stile, Antoine Watteau seguito da François Boucher, influenzarono tutti gli elementi del design dagli interni agli arazzi alla moda. Altri artisti noti furono Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier e François Lemoyne., Lemoyne era noto per i suoi dipinti storici allegorici come si vede nella sua Apoteosi di Ercole (1733-1736) dipinta sul soffitto del Salone di Ercole a Versailles. Una caratteristica nota della pittura rococò francese è stato il modo in cui un certo numero di famiglie di artisti noti, come i van Loos e Coypels, mantenuto uno stile coerente e soggetto nei loro laboratori.

Rococò italiano

La pittura ha preso il comando nel Rococò italiano, esemplificato dalle opere dell’artista veneziano Giambattista Tiepolo., Combinando l’enfasi della Scuola veneziana sul colore con la quadratura, o dipinti sul soffitto, i capolavori di Tiepolo erano affreschi e grandi pale d’altare. Famoso in tutta Europa, ricevette molte commissioni reali, come la sua serie di dipinti sul soffitto nella Residenza di Wurzburg in Germania, e la sua apoteosi della monarchia spagnola (1762-1766) nel Palazzo Reale di Madrid.

Il Rococò italiano era anche noto per i suoi grandi paesaggisti noti come “pittori di vedute”, in particolare Giovanni Antonio Canal, noto semplicemente come Canaletto., Ha aperto la strada all’uso della prospettiva lineare a due punti mentre creava scene popolari dei canali e dello sfarzo di Venezia. Le sue opere, come la sua Venezia: Santa Maria della Salute (c. 1740), erano molto richieste dagli aristocratici inglesi. Nel 1700 divenne consuetudine per i giovani aristocratici inglesi fare un “Grand Tour”, visitando i noti siti d’Europa per apprendere le radici classiche della cultura occidentale. I viaggi lanciarono una sorta di turismo aristocratico, e Venezia fu una tappa nota, famosa per la sua atmosfera edonistica carnevalesca e i panorami pittoreschi., Questi giovani aristocratici erano anche spesso collezionisti d’arte e mecenati, e la maggior parte delle opere di Canaletto furono vendute a un pubblico inglese, e nel 1746 si trasferì in Inghilterra per essere più vicino al suo mercato dell’arte e visse lì per quasi un decennio.

I ritratti a pastello di Rosalba Carriera, sia in miniatura che a grandezza naturale, così come le sue opere allegoriche furono richieste in tutta Europa, poiché fu invitata alle corti reali di Francia, Austria e Polonia., Ha aperto la strada all’uso di pastelli, precedentemente utilizzati solo per i disegni preparatori, come mezzo per la pittura, e, legando il gesso in bastoni, sviluppato una più ampia gamma di tratti e colori preparati. Il suo ritratto di Luigi XV come Delfino (1720-1721) ha stabilito il nuovo stile della ritrattistica rococò, sottolineando il fascino visivo e l’effetto decorativo.,

In architettura, l’Italia ha continuato a sottolineare il Barocco, con il suo forte legame con la chiesa Cattolica fino al 1720, quando l’architetto Filippo Juvarra costruito diversi dell’italia Settentrionale Palazzi in stile Rococò. Il suo capolavoro fu il Palazzo Stupinigi (1729-1731), costruito come residenza di caccia per il Re di Sardegna a Torino. Allo stesso tempo, gli interni rococò divennero popolari a Genova, in Sardegna, in Sicilia e a Venezia dove lo stile assunse variazioni regionali in particolare nel design dei mobili., Gli interni rococò italiani erano particolarmente noti per i loro lampadari e specchi in vetro veneziano e il loro ricco uso di tappezzeria in seta e velluto.

Rococò tedesco

L’entusiasmo della Germania per il Rococò si esprimeva in modo esuberante e principalmente nei capolavori architettonici e nell’interior design, così come nelle arti applicate., Un elemento noto del Rococò tedesco fu l’uso di vivaci colori pastello come il lilla, il limone, il rosa e il blu come si vede nel disegno di François de Cuvilliés dell’Amalienburg (1734-1739), una residenza di caccia per l’imperatore del Sacro Romano Impero Carlo VII a Monaco. La sua Sala degli specchi nel Amalienburg è stato descritto dallo storico dell “arte Hugh Honor come esemplificando” eleganza facile e delicatezza gossamer.”

Motivi di design tedeschi mentre impiegavano asimmetria e forme curve a s e c, spesso attingevano a motivi floreali o organici e impiegavano più dettagli., Architetti tedeschi anche in modo innovativo esplorato varie possibilità per il design delle camere, taglio muri o fare pareti curve, e fatta la localizzazione di nuovi edifici un elemento importante per l’effetto, come si è visto in Giacobbe Prandtauer dell’Abbazia di Melk (1702-1736)

inglese Rococò

Inghilterra occupazione del Rococò, che è stato chiamato “stile francese”, è stata più contenuta, come gli eccessi di stile sono stati raggiunti con un cupo Protestantesimo., Come risultato, rocaille introdotto dall’incisore émigré Hubert-François Gravelot e l’argentiere Paul de Lamerie, è stato impiegato solo come dettagli e motivi occasionali. Intorno al 1740 lo stile rococò cominciò ad essere impiegato nei mobili britannici, in particolare nei disegni di Thomas Chippendale. Il suo catalogo Gentleman’s and Ebanisteria’ directory (1754), che illustrava disegni rococò, divenne uno standard industriale popolare.,

Il rococò ebbe un impatto maggiore su artisti britannici come William Hogarth, Thomas Gainsborough e la svizzera Angelica Kauffman. Nel suo The Analysis of Beauty (1753) Hogarth sosteneva l’uso di una linea serpentina, vedendola sia come più organica che esteticamente ideale. Gainsborough studiò per la prima volta con Gravelot, un ex allievo di Boucher, la cui pennellata e tavolozza di colori influenzarono la ritrattistica di Gainsborough verso la fluidità della luce e del colore. Anche se di origine svizzera, Angelica Kauffman ha trascorso la maggior parte della sua vita a Roma e Londra., Dal 1766 al 1781 visse a Londra, dove l’influente Sir Joshua Reynolds ammirava particolarmente la sua ritrattistica. Una delle sole due donne elette alla Royal Academy of Arts di Londra, ha svolto un ruolo significativo sia nel progresso dello stile rococò e, successivamente, neoclassicismo.

Sviluppi successivi – Dopo il Rococò

Nel 1750 Madame de Pompadour inviò suo nipote Abel-François Poisson de Vandières a studiare gli sviluppi dell’arte e dell’archeologia italiana., Tornato con entusiasmo per l’arte classica, Vandières fu nominato direttore degli edifici del Re dove iniziò a sostenere un approccio neoclassico. Divenne anche un noto critico d’arte, condannando lo stile petit di Boucher, o “piccolo stile.”Noti pensatori dell’epoca, tra cui il filosofo Voltaire, il critico d’arte Diderot criticò anche il Rococò come superficiale e decadente. Queste tendenze, insieme con un crescente fervore rivoluzionario in Francia causato Rococò a cadere in disgrazia dal 1780.,

Il nuovo movimento neoclassicismo, guidato dall’artista Jacques-Louis David, enfatizzava l’eroismo e la virtù morale. Gli studenti d’arte di David hanno persino cantato il canto derisivo, “Vanloo, Pompadour, Rococò”, individuando lo stile, uno dei suoi artisti principali, e il più noto mecenate. Di conseguenza, nel 1836 fu usato per significare “vecchio stile”, e nel 1841 fu usato per indicare opere viste come “insapore floride o ornate.”Le connotazioni negative continuarono nel 20 ° secolo, come si vede nella descrizione del Dizionario del secolo 1902 “Quindi viene usato il rococò…, notare qualsiasi cosa debolmente pretenziosa e insipida nell’arte o nella letteratura.”

Il design e la pittura rococò avrebbero virato verso percorsi divergenti, poiché il design rococò, nonostante le nuove tendenze nella capitale, continuava ad essere popolare in tutte le province francesi. Nel 1820 sotto la monarchia restaurata del re Luigi Filippo, un revival chiamato “Secondo stile Rococò” divenne popolare e si diffuse in Gran Bretagna e in Baviera. In Gran Bretagna il revival divenne noto come Rococò vittoriano e durò fino a circa 1870, influenzando anche il Revival Rococò americano negli Stati Uniti, guidato da John Henry Belter., Lo stile, ampiamente impiegato per alberghi di lusso, è stato soprannominato “Le gout Ritz” nel 20 ° secolo. Tuttavia, nella pittura il Rococò cadde in disgrazia, ad eccezione dei dipinti di genere di Chardin, molto elogiati da Diderot, che continuarono ad essere influenti e che in seguito avrebbero avuto un notevole impatto su Paul Cézanne, Édouard Manet e Vincent van Gogh.

Edmund e Jules de Goncourt riscoprirono il grande pittore rococò Jean-Honoré Fragonard in L’Art du XVIIIe siècle (Arte settecentesca) (1865)., Successivamente ha influenzato gli impressionisti, in particolare Pierre-Auguste Renoir e Berthe Morisot, e ha continuato a influenzare artisti contemporanei come Yinka Shonibare, Kent Monkman e Lisa Yuskavage.,

Anche riscoperto dai fratelli de Goncourt, Watteau della commedia dell’arte materie influenzato Pablo Picasso, Cézanne, Henri Matisse, così come molti poeti come Paul Verlaine e lt;span class=”marked_text grafico-tooltip-target-top tooltip_id-apollinaire_guillaume”>Guillaume Apollinaire, il compositore Arnold Schönberg, e il coreografo George Balanchine.,

Il termine Rococò e gli artisti ad esso associati iniziarono ad essere rivalutati criticamente solo alla fine del xx secolo, quando i movimenti della Pop Art e le opere di artisti come Damien Hirst, Kehinde Wiley e Jeff Koons crearono un nuovo contesto per l’arte che esprimeva gli stessi trattamenti ornati, stilistici e stravaganti., Il rococò ha avuto un’influenza contemporanea come si è visto in Logos 2017 di Ai Weiwei dove, come ha scritto il critico d’arte Roger Catlin, ” Quello che sembra un disegno di carta da parati rococò in bianco e nero e in oro è in realtà un arrangiamento di manette, catene, telecamere di sorveglianza, uccelli di Twitter e alpaca stilizzati – un animale”Il movimento vive anche nella cultura popolare, come mostrato nella canzone di successo degli Arcade Fire “Rococo” (2010).