Início do Rococó

Na pintura Rococó foi principalmente influenciado pela Escola Veneziana do uso da cor, erótico assuntos, e Arcadian paisagens, enquanto que a Escola de Fontainebleau foi fundamental para Rococó design de interiores.

A Escola Veneziana

Os pintores observou Giorgione e Ticiano, entre outros, influenciaram o Rococó período da ênfase na roda de cores e erótico assunto. Concerto Pastoral (C., 1509), primeiro atribuído a Giorgione, embora agora creditado pela maioria dos estudiosos como uma das primeiras obras de Ticiano, foi classificado como um Fête champêtre, ou partido ao ar livre, pelo Louvre quando ele se tornou parte da coleção do Museu. A obra Renascentista retratando duas mulheres nuas e dois homens aristocráticos tocando música em uma paisagem pastoral idealizada influenciaria fortemente o desenvolvimento da festa galante de Rococo, ou pinturas de cortejo. O termo refere-se a pinturas históricas de tempos passados agradáveis e tornou-se popular nas obras de Jean-Antoine Watteau.,

a Escola de Fontainebleau 1528-1630

Em 1530 o Rei Francisco I, um destacado arte patrono, convidou o artista italiano Rosso Florentino para a corte francesa, onde, pioneiro cortesã estilo de francês Maneirismo, Rosso fundou a Escola de Fontainebleau. A escola tornou-se conhecida por seu estilo único de design de interiores em que todos os elementos criaram uma unidade altamente coreografada., Rosso foi pioneiro no uso de grandes relevos de estuque como quadros, adornados com motivos decorativos e dourados que influenciariam fortemente a ênfase de Rococo em Configurações elaboradas.Gilding foi uma contribuição chave de Fontainebleau, proporcionando um esplendor requintado para objetos como visto na famosa Adega de sal de Benevento Cellini (1543), que Francisco I encomendou em ouro., Mesmo elementos simples de interiores Rococó tornaram-se altamente acentuados como visto na popularidade dos relógios do cartel, incorporando relógios regulares em Configurações intrincadas que se assemelhavam a peças de escultura, e que complementavam perfeitamente o visual geral e a sensação de seus interiores circundantes.,

A Era do Design Rococó

Rococó estreou em design de interiores quando gravador Pierre Le Pautre trabalhou com o arquiteto Jules Hardouin-Mansart no Château de Marly (1679-1684), e, mais tarde, em Versalhes em 1701, quando ele redesenhado de Luís XIV apartamentos privados. Le Pavre foi pioneiro no uso de arabesques, empregando uma linha em forma de s ou em forma de c, colocada em paredes brancas e tetos. Ele também usou painéis de inset com madeira dourada, criando um estilo caprichoso e mais leve., Le Pavre era conhecido principalmente como ornemaniste, ou designer de ornamentos, que reflete o papel popular na época dos artesãos e artesãos no desenvolvimento do estilo altamente decorativo.durante o reinado de Luís XIV, a França tornou-se o poder europeu dominante, e a combinação de grande riqueza e estabilidade pacífica levou os franceses a virar a sua atenção para os assuntos pessoais e o gozo dos prazeres mundanos., Quando o rei morreu em 1715, seu herdeiro Luís XV tinha apenas cinco anos de idade, então a regência, liderada pelo Duque D’Orléans, governou a França até o Delfim atingir a maioridade. O duque era conhecido por seu estilo de vida hedonista, e a estética de Rococo parecia a expressão perfeita da sensibilidade da época. Assumindo o trono em 1723, Luís XV também se tornou um notável defensor e patrono da arquitetura e design Rococó. Uma vez que a França era o centro artístico da Europa, as Cortes artísticas de outros países europeus logo seguiram o exemplo em seu entusiasmo por enfeites similares.,Jean-Antoine Watteau liderou o período rococó na pintura. Nascido em Valenciennes, uma pequena aldeia provincial na Bélgica que tinha sido recentemente aderido aos franceses, sua precocidade em arte e desenho levou a sua aprendizagem precoce com um pintor local. Posteriormente, ele foi para Paris, onde ganhou a vida produzindo cópias de obras de Ticiano e Paolo Veronese., Ele se juntou ao estúdio de Claude Audran, que era um renomado decorador, onde conheceu e se tornou um colega artístico de Claude Gillot, conhecido por sua decoração da commedia dell’arte, ou produções de teatro cômico. Como resultado, o trabalho de Watteau muitas vezes expressou uma abordagem teatral, mostrando figuras em figurino entre cenários de fundo, iluminado com luz artificial.

Em 1712, Watteau entrou para o Prix de Rome concurso da Académie Royale de Peinture et de Sculpture, e a Academia aceitou-o como um membro., Sua “peça de recepção” para a Academia, embarque para Cythera (1717), efetivamente lançou o movimento Rococó. A Academia cunhou o termo “Fête galante” para se referir ao trabalho, estabelecendo assim a categoria que seria um elemento dominante da pintura Rococó. As pinturas de Fête galante retratavam o fête champêtre, ou festa de jardim, popular entre a classe aristocrática, onde, vestidos como se fossem para uma bola ou vestindo trajes, eles iriam vinho, jantar, e se envolveriam em atividades amorosas dentro dos jardins e parques Arcadianos., O tema artístico não só apelava a clientes privados, mas suas paisagens mitologizadas e configurações satisfaziam os padrões da Academia que classificou a pintura histórica, incluindo temas mitológicos, como a mais alta categoria.Claude Audren foi o guardião oficial do Palácio do Luxemburgo e, enquanto trabalhava com ele, Watteau copiou a série de vinte e quatro pinturas de Peter Paul Ruben sobre a vida de Maria de Médici (1622-25), que foi exibida no Palácio., A série de Ruben, combinando figuras alegóricas e temas mitológicos com representações da Rainha e da corte aristocrática, continuou a informar o trabalho de Watteau. Rubens foi pioneiro na técnica dos lápis de cor trois, ou seja, três gizes, uma técnica usando Vermelho, preto e branco, para criar efeitos coloridos. Watteau dominou a técnica de tal forma que seu nome se associou a ela, e foi amplamente adotado por artistas Rococó posteriores, incluindo François Boucher.,

de François Boucher

Influenciado por Rubens e Watteau, de François Boucher tornou-se o mais famoso artista do maduro Rococó período, com início em 1730 e prolongando-se até a década de 1760. Conhecido por sua pintura, que combinado elegância aristocrática erótico com tratamentos de nude, como visto em sua A Toalete de Vênus (1751), foi igualmente influente nas artes decorativas, teatral configurações e tapeçaria de design., Foi nomeado Primeiro Pintor do rei em 1765, mas é mais conhecido por sua longa associação com Madame de Pompadour, a primeira amante oficial do rei Luís XV e um notável patrono das artes. Como resultado de seu domínio da arte e design Rococó e de seu patrocínio real, Boucher tornou-se “um dos homens que representam o sabor de um século, que expressam, personificam e encarnam”, como escreveram os notáveis autores Edmond e Jules de Goncourt.,Madame de Pompadour, nascida Jeanne-Antoinette Poisson, foi chamada de “madrinha do Rococó”, devido à sua centralidade em promover o estilo e estabelecer Paris como a capital artística da Europa. Ela influenciou outras aplicações de Rococo devido ao seu patrocínio de artistas como Jean-Marc Nattier, o escultor Jean Baptiste Pigalle, o designer de papel de parede Jean-Baptiste Réveillon, e o gravador de pedra geminada Jacques Guay., A primeira amante oficial do rei de 1745-1751, ela permaneceu sua confidente e conselheira de confiança até sua morte aos 42 anos devido à tuberculose. Seu papel e status se tornaram a definição de patrocínio real.

Rococó: Conceitos, Estilos, Tendências e

Rococó francês

a França era o centro de desenvolvimento do Rococó. No design, o salão, uma sala de entretenimento, mas também impressionantes convidados, foi uma grande inovação., O exemplo mais famoso foi Charles-Joseph Natoire e Germain Boffrand La Salon de la Princesse (1735-1740) na residência do Príncipe e da Princesa de Soubise. As paredes brancas do interior cilíndrico, a madeira dourada e muitos espelhos criaram um efeito leve e arejado. Decorações Arabesque, muitas vezes aludindo a motivos Romanos, cupidos e grinaldas, foram apresentadas em estuque de ouro e relevo em placas. Curvas assimétricas, por vezes derivadas de formas orgânicas, como conchas ou frondes de acanto, eram elaboradas e exageradas., A ênfase mínima na arquitetura e máxima ênfase na decoração se tornaria a pedra angular do movimento Rococó.

a Pintura era uma parte essencial do Rococó movimento na França, e os pintores observou que levou o estilo, Antoine Watteau seguido por François Boucher, influenciou todos os elementos de design de interiores para tapeçarias para a moda. Outros artistas notáveis incluem Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier e François Lemoyne., Lemoyne foi conhecido por suas pinturas Alegóricas Históricas como visto em sua apoteose de Hércules (1733-1736) pintada no Salão do teto de Hércules em Versalhes. Uma característica notável da pintura Rococó francesa foi a maneira pela qual uma série de famílias de artistas notáveis, como os van Loos e os Coypels, mantiveram um estilo consistente e assunto em suas oficinas.

Rococó Italiano

a pintura assumiu a liderança no Rococó Italiano, exemplificado pelas obras do artista Veneziano Giambattista Tiepolo., Combinando a ênfase da escola veneziana na cor com quadratura, ou pinturas no teto, as obras-primas de Tiepolo eram afrescos e grandes retábulos. Famoso por toda a Europa, recebeu muitas comissões reais, como a sua série de pinturas de tecto na residência de Wurzburg, na Alemanha, e a sua apoteose da monarquia espanhola (1762-1766) no Palácio Real de Madrid.

Rococó italiano também foi conhecido por sua grande paisagem artistas conhecidos como “ver-pintores,” particularmente Giovanni Antonio Canal, conhecido simplesmente como Canaletto., Ele foi pioneiro no uso de uma perspectiva linear de dois pontos enquanto criava cenas populares dos canais e do campesinato de Veneza. Suas obras, como sua Veneza: Santa Maria della Salute (C. 1740), estavam em grande demanda com os aristocratas ingleses. Em 1700 tornou-se habitual para os jovens aristocratas ingleses para ir em uma “grande turnê”, visitando os locais notáveis da Europa, a fim de aprender as raízes clássicas da cultura ocidental. As viagens lançaram uma espécie de turismo aristocrático, e Veneza foi uma parada notável, famosa por sua atmosfera hedonista carnaval e vistas pitorescas., Estes jovens aristocratas também eram muitas vezes colecionadores de arte e patronos, e a maioria das obras de Canaletto foram vendidas para um público inglês, e em 1746 ele se mudou para a Inglaterra para estar mais perto de seu mercado de arte e viveu lá por quase uma década.os retratos pastel de Rosalba Carriera, tanto em miniatura como em tamanho real, bem como as suas obras alegóricas, foram procurados em toda a Europa, uma vez que foi convidada para os tribunais reais da França, Áustria e Polónia., Ela foi pioneira no uso de pastéis, anteriormente Empregados apenas para desenhos preparatórios, como meio de pintura, e, ao ligar o giz em paus, desenvolveu uma ampla gama de traços e cores preparadas. Seu retrato de Luís XV como Delfim (1720-1721) estabeleceu o novo estilo de retrato Rococó, enfatizando o apelo visual e o efeito decorativo.,

na arquitectura, a Itália continuou a enfatizar o Barroco com a sua forte ligação à Igreja Católica até à década de 1720, quando o arquitecto Filippo Juventarra construiu vários palácios do Norte da Itália no estilo rococó. Sua obra-prima foi o Palácio Stupinigi (1729-1731), construído como o pavilhão de caça para o rei da Sardenha em Turim. Ao mesmo tempo, os interiores Rococó tornaram-se populares em Gênova, Sardenha, Sicília e Veneza, onde o estilo assumiu variações regionais, particularmente no design de móveis., Os interiores Rococó italianos eram particularmente conhecidos pelos seus lustres e espelhos de vidro venezianos e pelo seu Rico uso de estofos de seda e veludo.

rococó Alemão

o entusiasmo da Alemanha pelo Rococó manifestou-se exuberantemente e principalmente em obras-primas arquitectónicas e design de interiores, bem como nas artes aplicadas., Um elemento notável do Rococó alemão foi o uso de cores pastel vibrantes como lilás, limão, rosa e azul, como visto no projeto de François de Cuvilliés do Amalienburg (1734-1739), um pavilhão de caça para o Sacro Imperador Romano-Germânico Carlos VII em Munique. Sua galeria de espelhos no Amalienburg foi descrita pelo historiador de arte Hugh Honour como exemplificando “elegância fácil e delicadeza gossamer”.”

motivos de design alemães, empregando assimetria e formas curvas s-E c -, muitas vezes se baseava em motivos florais ou orgânicos, e empregava mais detalhes., Arquitetos alemães também de forma inovadora explorou diversas possibilidades para a sala de desenhos, corte de distância de paredes ou de tomada de paredes curvas, e feita a instalação de novas construções de um importante elemento para o efeito, como se vê em Jacó Prandtauer da Abadia de Melk (1702-1736)

inglês Rococó

Inglaterra emprego do Rococó, que foi chamado de “estilo francês”, foi mais contido, como os excessos do estilo foram recebidos com um sombrio Protestantismo., Como resultado, rocaille introduzido pelo gravador émigré Hubert-François Gravelot e o ourives Paul de Lamerie, foi empregado apenas como detalhes e motivos ocasionais. Por volta de 1740, o estilo rococó começou a ser empregado em móveis britânicos, mais notavelmente nos desenhos de Thomas Chippendale. His catalogue Gentleman’s and Cabinet-makers’ directory (1754), illustrating Rococo designs, became a popular industry standard.,

Rococó teve mais impacto sobre artistas Britânicos como William Hogarth, Thomas Gainsborough, e o Suíço Angelica Kauffmann. Em sua análise da beleza (1753) Hogarth defendeu o uso de uma linha de serpentina, vendo-a como tanto mais orgânica e esteticamente ideal. Gainsborough estudou pela primeira vez com Gravelot, um ex-aluno de Boucher, cuja pincelada e paleta de cores influenciou o retrato de Gainsborough em direção à fluidez da luz e da cor. Embora nascida na Suíça, Angelica Kauffman passou a maior parte de sua vida em Roma e Londres., De 1766 a 1781 viveu em Londres, onde o influente Sir Joshua Reynolds admirava particularmente o seu retrato. Uma das duas únicas mulheres eleitas para a Academia Real de Artes em Londres, ela desempenhou um papel significativo no avanço do estilo rococó e, posteriormente, do Neoclassicismo.

desenvolvimentos posteriores – após Rococó

em 1750 Madame de Pompadour enviou o seu sobrinho Abel-François Poisson de Vandières para estudar a evolução da arte e Arqueologia italianas., Retornando com um entusiasmo pela arte clássica, Vandières foi nomeado diretor dos edifícios do Rei, onde ele começou a defender uma abordagem neoclássica. Ele também se tornou um notável crítico de arte, condenando o estilo petit de Boucher, ou “pouco estilo”.”Noted thinkers of the day, including the philosopher Voltaire, the art critic Diderot also critiked Rococo as superficial and decadent. Estas tendências, juntamente com um crescente fervor revolucionário na França, fizeram Rococo cair em desgraça em 1780.,o novo movimento Neoclassicismo, liderado pelo artista Jacques-Louis David, enfatizou o heroísmo e a virtude moral. Os estudantes de arte de David até cantaram o cântico “Vanloo, Pompadour, Rococo”, destacando o estilo, um de seus principais artistas, e o mais notável patrono. Como resultado, em 1836 foi usado para significar “antiquado”, e em 1841 foi usado para denotar obras vistas como “floridas ou ornamentadas sem sabor”. As conotações negativas continuaram até o século XX, como visto na descrição do dicionário do século 1902 “por isso rococo é usado…, para notar qualquer coisa levemente pretensiosa e sem gosto na arte ou na literatura.o design Rococó e a pintura viriam em direção a caminhos divergentes, pois o design Rococó, apesar das novas tendências na capital, continuou a ser popular em todas as províncias francesas. Na década de 1820, sob a monarquia restaurada do rei Luís Filipe, um renascimento chamado de “segundo estilo rococó” tornou-se popular e se espalhou para a Grã-Bretanha e Baviera. Na Grã-Bretanha, o renascimento ficou conhecido como Rococó Vitoriano e durou até 1870, enquanto também influenciou o Renascimento Rococó Americano nos Estados Unidos, liderado por John Henry Belter., O estilo, amplamente empregado em hotéis de luxo, foi apelidado de “Le gout Ritz”no século XX. No entanto, na pintura Rococo caiu em desuso, com exceção das pinturas de Chardin, altamente elogiadas por Diderot, que continuou a ser influente e mais tarde faria um notável impacto sobre Paul Cézanne, Édouard Manet, e Vincent van Gogh.Edmund e Jules de Goncourt redescobriram o grande pintor Rococó Jean-Honoré Fragonard em L’Art du XVIIIe siècle (arte do século XVIII) (1865)., Posteriormente, ele influenciou os Impressionistas, especialmente Pierre-Auguste Renoir e Berthe Morisot, e passou a influência de artistas contemporâneos, como Yinka Shonibare, Kent Monkman, e Lisa Yuskavage.,

Também redescoberta pelos de irmãos Goncourt, Watteau da commedia dell’arte assuntos influenciado Pablo Picasso, Cézanne, e Henri Matisse, assim como muitos poetas como Paul Verlaine e lt;span class=”marked_text gráfico-tooltip-alvo-top tooltip_id-apollinaire_guillaume”>Guillaume Apollinaire, o compositor Arnold Schoenberg, e o coreógrafo George Balanchine.,o termo Rococo e os artistas associados a ele só começaram a ser criticamente reavaliados no final do século XX, quando os movimentos da arte Pop e as obras de artistas como Damien Hirst, Kehinde Wiley e Jeff Koons criaram um novo contexto para a arte expressando os mesmos tratamentos ornamentados, estilísticos e caprichosos., Rococó teve uma influência contemporânea, como visto no Ai Weiwei Logotipos de 2017, onde, como crítico de arte Roger Catlin escreveu, “o Que parece uma fantasia rococó papel de parede de design em preto e branco e ouro é, na verdade, um arranjo de algemas, correntes, câmeras de vigilância, Twitter aves e estilizado alpacas – um animal que, na China, tornou-se um meme contra a censura. O movimento também vive na cultura popular, como mostrado na canção de Arcade Fire “Rococo” (2010).