Începuturile Rococo

În pictura Rococo a fost în principal influențată de Școala Venețiană este utilizarea de culoare, erotic subiecte, și Arcadian peisaje, în timp ce Școala de la Fontainebleau a fost fundamentale pentru Rococo design interior.

școala venețiană

pictorii notabili Giorgione și Titian, printre alții, au influențat accentul perioadei Rococo pe culoarea și subiectul erotic. Concert Pastoral (c., 1509), prima dată atribuită lui Giorgione, deși acum creditată de majoritatea savanților ca una dintre primele lucrări ale lui Titian, a fost clasificată ca Fête champêtre, sau petrecere în aer liber, de către Luvru când a devenit prima parte a colecției muzeului. Opera renascentistă care înfățișează două femei nud și doi bărbați aristocrați care cântă muzică într-un peisaj pastoral idealizat ar influența puternic dezvoltarea Fête galante a lui Rococo sau a picturilor de curte. Termenul se referea la picturi istorice din vremurile trecute plăcute și a devenit popularizat în lucrările lui Jean-Antoine Watteau.,școala din Fontainebleau 1528-1630

Școala a devenit cunoscută pentru stilul său unic de design interior, în care toate elementele au creat o unitate extrem de coregrafică., Rosso a pionierat utilizarea reliefurilor mari din stuc ca rame, împodobite cu motive decorative și aurite, care ar influența puternic accentul Rococo pe setările elaborate.aurirea a fost o contribuție cheie a Fontainebleau, oferind splendoare deosebită obiectelor văzute în faimoasa pivniță de sare din Benevento Cellini (1543), pe care Francisc I a comandat-o în aur., Chiar și elementele simple ale interioarelor Rococo au devenit extrem de accentuate, așa cum se vede în popularitatea ceasurilor cartel, încorporând ceasurile obișnuite în setări complicate care semănau cu bucăți de sculptură și care completau perfect aspectul general al interioarelor înconjurătoare.,Rococo a debutat în designul interior când gravorul Pierre Le Pautre a lucrat cu arhitectul Jules Hardouin-Mansart la Castelul de Marly (1679-1684), iar mai târziu la Versailles în 1701, când a reproiectat apartamentele private ale lui Ludovic al XIV-lea. Le Pautre a pionierat utilizarea arabescurilor, folosind o linie în formă de s sau în formă de c, așezată pe pereți și tavane albe. El a folosit, de asemenea, panouri de inserție cu lemn aurit, creând un stil capricios, mai ușor., Le Pautre a fost în primul rând cunoscut ca un ornemaniste, sau designer de ornament, care reflectă rolul de popular în momentul de artizani și meșteșugari în dezvoltarea stil foarte decorativ.în timpul domniei lui Ludovic al XIV-lea, Franța a devenit puterea Europeană dominantă, iar combinația dintre bogăția mare și stabilitatea pașnică i-a determinat pe francezi să-și îndrepte atenția spre afacerile personale și bucuria plăcerilor lumești., Când regele a murit în 1715, moștenitorul său Ludovic al XV-lea avea doar cinci ani, astfel încât regența, condusă de ducele d’ Orléans, a condus Franța până când Delfinul a împlinit vârsta. Ducele era cunoscut pentru stilul său de viață hedonist, iar estetica lui Rococo părea expresia perfectă a sensibilității epocii. Luând tronul în 1723, Ludovic al XV-lea a devenit, de asemenea, un susținător și patron al arhitecturii și designului Rococo. Întrucât Franța era centrul artistic al Europei, curțile artistice din alte țări europene au urmat curând exemplul în entuziasmul lor pentru înfrumusețări similare.,

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau a condus perioada Rococo în pictură. Născut în Valenciennes, un mic sat provincial din Belgia, care a fost recent aderat la francezi, precocitatea sa în artă și desen a dus la ucenicia sa timpurie cu un pictor local. Ulterior a plecat la Paris unde și-a câștigat existența producând copii ale operelor lui Titian și Paolo Veronese., S-a alăturat studioului lui Claude Audran, care a fost un renumit decorator, unde s-a întâlnit și a devenit coleg artistic al lui Claude Gillot, cunoscut pentru decorarea sa de commedia dell ‘ arte sau producții de teatru comic. Ca rezultat, opera lui Watteau a exprimat adesea o abordare teatrală, prezentând figuri costumate printre decorurile de fundal, luminate cu lumină artificială.în 1712 Watteau a intrat în competiția Prix de Rome a Académie Royale de peinture et de Sculpture, iar Academia l-a admis ca membru cu drepturi depline., „Piesa de recepție” pentru Academie, îmbarcarea pentru Cythera (1717), a lansat efectiv mișcarea Rococo. Academia a inventat termenul fête galante, sau petrecere de curte, pentru a se referi la lucrare, stabilind astfel categoria care urma să fie un element dominant al picturii Rococo. Fête galante picturi descris fête champêtre, sau garden party, popular printre clase aristocratice, unde, îmbrăcat ca pentru o minge sau purtând costume, ar de vin, masa, și să se angajeze în căutarea iubirii în Arcadian grădini și parcuri., Subiectul artistic nu numai că a apelat la patronii privați, dar peisajele și decorurile sale mitologizate au îndeplinit standardele Academiei care a clasat pictura istorică, inclusiv subiectele mitologice, drept cea mai înaltă categorie.

Claude Audren fost oficial Portarul de la Palatul Luxemburg și, în timp ce lucrează cu el, Watteau copiat Peter Paul Ruben serie de douăzeci și patru tablouri de Viata Mariei de’ Medici (1622-25), care a fost afișat la palat., Seria lui Ruben, combinând figuri alegorice și subiecte mitologice cu reprezentări ale reginei și ale Curții aristocratice, a continuat să informeze opera lui Watteau. Rubens a pionierat tehnica creioanelor trois, adică trei Crete, o tehnică care folosește roșu, negru și alb, pentru a crea efecte coloristice. Watteau a stăpânit tehnica într-o asemenea măsură încât numele său a devenit asociat cu ea și a fost adoptat pe scară largă de artiștii Rococo de mai târziu, inclusiv François Boucher.,

François Boucher

Influențată de Rubens și Watteau, François Boucher, a devenit cel mai renumit artist al mature Rococo perioadă, începând din 1730 și de durată până la 1760. De remarcat pentru pictura sa care a combinat eleganță aristocratică cu erotic tratamente de nud, așa cum se vede în Toaleta lui Venus (1751), a fost la fel de influent în arte decorative, teatru setări, și tapiserie design., A fost numit primul pictor al regelui în 1765, dar este cel mai cunoscut pentru asocierea sa îndelungată cu Madame de Pompadour, prima amantă oficială a regelui Ludovic al XV-lea și un renumit patron al artelor. Ca rezultat al stăpânirea lui de Rococo artă și design și patronaj regal, Boucher a devenit „unul dintre acei oameni care reprezintă gustul de un secol, care exprima, personifica și-l întruchipeze,” ca autorii au remarcat Edmond și Jules de Goncourt scris.,

Madame de Pompadour

Madame de Pompadour, născut Jeanne-Antoinette Poisson, a fost numit „nașa de Rococo,” din cauza ei central în promovarea stilului și stabilirea Paris capitala artistică a Europei. Ea influențată în continuare de aplicații de Rococo din cauza ei patronajul unor artiști precum Jean-Marc Nattier, sculptorul Jean Baptiste Pigalle, tapet de designer Jean-Baptiste Réveillon, și piatră prețioasă gravor Jacques Guay., Prima amantă oficială a regelui din 1745-1751, ea a rămas confidenta și consilierul său de încredere până la moartea ei la vârsta de 42 de ani din cauza tuberculozei. Rolul și statutul ei au devenit definiția de facto a patronajului regal.Rococo: concepte, stiluri și tendințe

Franceză Rococo

Franța a fost centrul dezvoltării Rococo. În design, Salonul, o sală de divertisment, dar și de a impresiona oaspeții, a fost o inovație majoră., Cel mai celebru exemplu a fost Charles-Joseph Natoire și Germain Boffrand, La Salonul de la Princesse (1735-1740) în resedinta Printului si Printesei de Soubise. Pereții albi ai interiorului cilindric, lemnul aurit și multe oglinzi au creat un efect luminos și aerisit. Decorațiile Arabesque, adesea făcând aluzie la motive romane, cupide și ghirlande, au fost prezentate în stuc de aur și relief de plăci. Curbele asimetrice, uneori derivate din forme organice, cum ar fi scoici sau frunze de acant, au fost elaborate și exagerate., Accentul minim pe arhitectură și accentul maxim pe decor ar deveni piatra de temelie a mișcării Rococo.pictura a fost o parte esențială a mișcării Rococo din Franța, iar pictorii remarcați care au condus stilul, Antoine Watteau urmat de François Boucher, au influențat toate elementele de design de la interioare la tapiserii la modă. Alte menționat artiști incluse Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier, și François Lemoyne., Lemoyne a fost remarcat pentru picturile sale alegorice istorice, așa cum au fost văzute în Apoteoza lui Hercule (1733-1736) pictate pe Salonul tavanului lui Hercule de la Versailles. Un menționat caracteristică a Rococo francez pictura a fost modul în care un număr de remarcat artist familii, cum ar fi van Loos și Coypels, a menținut un stil consistent și obiectul în atelierele lor.

Rococo Italian

pictura a preluat conducerea în Rococo Italian, exemplificată de lucrările artistului venețian Giambattista Tiepolo., Combinarea Școala Venețiană pune accentul pe culoare cu quadratura, sau picturi tavan, Tiepolo operele lui au fost fresce și mari altare. Renumit în toată Europa, a primit numeroase comisioane regale, cum ar fi seria sa de picturi de tavan în Wurzburg Residenz din Germania și apoteoza monarhiei spaniole (1762-1766) în Palatul Regal din Madrid.Rococo Italian a fost, de asemenea, remarcat pentru marii săi artiști peisagiști cunoscuți sub numele de „pictori de vedere”, în special Giovanni Antonio Canal, cunoscut pur și simplu ca Canaletto., El a pionierat utilizarea perspectivei liniare în două puncte, creând în același timp scene populare ale canalelor și ale spectacolului din Veneția. Lucrările sale, cum ar fi Veneția sa: Santa Maria della Salute (c. 1740), erau foarte solicitate de aristocrații englezi. În anii 1700 a devenit obișnuit ca tinerii aristocrați englezi să meargă într-un „mare tur”, vizitând siturile notate ale Europei pentru a învăța rădăcinile clasice ale culturii occidentale. Excursiile au lansat un fel de turism aristocratic, iar Veneția a fost o oprire notabilă, renumită pentru atmosfera sa de carnaval hedonistă și priveliștile pitorești., Acești tineri aristocrați erau adesea colecționari și patroni de artă, iar majoritatea operelor lui Canaletto au fost vândute unui public englez, iar în 1746 s-a mutat în Anglia pentru a fi mai aproape de piața sa de artă și a locuit acolo aproape un deceniu.portretele pastel ale Rosalba Carriera, atât în miniatură, cât și în dimensiune completă, precum și lucrările sale alegorice au fost solicitate în întreaga Europă, deoarece a fost invitată la curțile regale din Franța, Austria și Polonia., Ea a pionierat utilizarea pastelurilor, folosite anterior doar pentru desene pregătitoare, ca mediu pentru pictură și, prin legarea Cretei în bastoane, a dezvoltat o gamă mai largă de lovituri și culori pregătite. Portretul lui Ludovic al XV-lea ca Dauphin (1720-1721) a stabilit noul stil al portretului Rococo, subliniind atracția vizuală și efectul decorativ.,în arhitectură, Italia a continuat să sublinieze barocul cu legătura sa puternică cu Biserica Catolică până în anii 1720, când arhitectul Filippo Juvarra a construit mai multe palate nordice italiene în stil Rococo. Opera sa principală a fost Palatul Stupinigi (1729-1731), construit ca cabană de vânătoare pentru regele Sardiniei din Torino. În același timp, interioarele Rococo au devenit populare în Genova, Sardinia, Sicilia și Veneția, unde stilul a preluat variații regionale, în special în designul mobilierului., Interioarele Rococo italiene au fost cunoscute în special pentru candelabrele și oglinzile din sticlă venețiană și pentru utilizarea bogată a tapițeriei de mătase și catifea.entuziasmul Germaniei pentru Rococo s-a exprimat exuberant și în primul rând în capodoperele arhitecturale și designul interior, precum și în artele aplicate., O a remarcat elementul German, Rococo a fost utilizarea de vibrante culori pastelate, cum ar fi liliac, lamaie, roz, albastru și așa cum se vede în François de Cuvilliés design de Amalienburg (1734-1739), o cabană de vânătoare pentru Sfântul Împărat Roman Carol al VII-lea în Munchen. Sala sa de oglinzi din Amalienburg a fost descrisă de istoricul de artă Hugh Honor ca exemplificând „eleganța ușoară și delicatețea gossamer.”

motive de design German în timp ce angajarea asimetrie și s – și c – forme curbate, adesea a atras pe motive florale sau organice, și angajat mai multe detalii., Arhitecți germani, de asemenea, inovativ explorat posibilitati variate de modele de camere, de tăiere departe de pereți sau de a face pereți curbate, și a făcut amplasarea de clădiri noi un important element de efect, după cum se vede în Iacov Prandtauer lui Melk Abbey (1702-1736)

engleză Rococo

Anglia ocuparea forței de muncă de Rococo, care a fost numit „stil francez”, a fost mai reținut, ca excesele de stil s-au întâlnit cu o sumbră Protestantismul., Ca urmare, rocaille introduse de emigrant gravor Hubert-François Gravelot și argintar Paul de Lamerie, a fost angajat doar ca detalii și ocazionale motive. În jurul anului 1740, stilul Rococo a început să fie folosit în mobilierul Britanic, mai ales în desenele lui Thomas Chippendale. Catalogul său, Gentleman’ s and Cabinet-makers ‘ directory (1754), ilustrând modele Rococo, a devenit un standard popular în industrie.,Rococo a avut mai mult impact asupra artiștilor britanici precum William Hogarth, Thomas Gainsborough și Swiss Angelica Kauffman. În analiza frumuseții (1753), Hogarth a pledat pentru utilizarea unei linii serpentine, considerând-o atât mai organică, cât și mai ideală din punct de vedere estetic. Gainsborough a studiat mai întâi cu Gravelot, un fost student de-Boucher, ale căror pene pensula și paleta de culori influențată lui Gainsborough portrete spre fluiditate de lumină și culoare. Deși născută în Elveția, Angelica Kauffman și-a petrecut cea mai mare parte a vieții la Roma și Londra., Din 1766 până în 1781 a locuit la Londra, unde influentul Sir Joshua Reynolds i-a admirat în mod deosebit portretul. Una dintre cele două femei alese la Academia Regală de Arte din Londra, ea a jucat un rol semnificativ atât în avansarea stilului Rococo, cât și, ulterior, în neoclasicism.

Evoluțiile ulterioare – După Rococo

În 1750 Madame de Pompadour a trimis nepotul ei Abel-François Poisson de Vandières pentru a studia evoluția în italiană artă și arheologie., Revenind cu un entuziasm pentru arta clasică, Vandières a fost numit director al clădirilor regelui, unde a început să pledeze pentru o abordare neoclasică. El a devenit, de asemenea, un critic de artă remarcat, condamnând stilul petit al lui Boucher sau „stilul mic”.”Gânditori notați ai vremii, inclusiv filosoful Voltaire, criticul de artă Diderot a criticat, de asemenea, Rococo ca fiind superficial și decadent. Aceste tendințe, împreună cu o fervoare revoluționară în creștere în Franța, au făcut ca Rococo să cadă din favoare până în 1780.,noua mișcare neoclasicism, condusă de artistul Jacques-Louis David, a subliniat eroismul și virtutea morală. Studenții de artă ai lui David au cântat chiar și cântarea derizivă, „Vanloo, Pompadour, Rococo”, evidențiind stilul, unul dintre artiștii săi de frunte, și cel mai remarcat patron. Drept urmare, până în 1836 a fost folosit pentru a însemna „de modă veche”, iar până în 1841 a fost folosit pentru a desemna lucrări văzute ca „Floride sau ornate fără gust.”Conotațiile negative au continuat în secolul 20, așa cum se vede în descrierea dicționarului secolului 1902 „de aici este folosit rococo…, pentru a nota ceva slab pretențios și fără gust în artă sau literatură.”

designul și pictura Rococo s-ar îndrepta spre căi divergente, deoarece designul Rococo, în ciuda noilor tendințe din capitală, a continuat să fie popular în provinciile franceze. În anii 1820 sub monarhia restaurată a regelui Louis Philippe, o renaștere numită stilul „al doilea Rococo” a devenit populară și sa răspândit în Marea Britanie și Bavaria. În Marea Britanie, Renașterea a devenit cunoscută sub numele de Rococo Victorian și a durat până în jurul anului 1870, influențând, de asemenea, Renașterea Americană a Rococo-ului în Statele Unite, condusă de John Henry Belter., Stilul, utilizat pe scară largă pentru hoteluri de lux, a fost numit „le gout Ritz” în secolul 20th. Cu toate acestea, în pictura Rococo a căzut din favoare, cu excepția picturilor de gen ale lui Chardin, foarte lăudate de Diderot, care au continuat să fie influente și mai târziu au avut un impact remarcat asupra lui Paul Cézanne, Édouard Manet și Vincent van Gogh.Edmund și Jules de Goncourt l-au redescoperit pe pictorul Rococo Jean-Honoré Fragonard în L ‘ Art du XVIIIe siècle (arta secolului al XVIII-lea) (1865)., Ulterior, el a influențat de Impresioniști, mai ales Pierre-Auguste Renoir și Berthe Morisot, și a plecat pe pentru a influența artiști contemporani ca Yinka Shonibare, Kent Monkman, și Lisa Yuskavage.,

de Asemenea, redescoperit de către serviciul de frații Goncourt, Watteau commedia dell ‘ arte subiecte influențată Pablo Picasso, Cezanne, și Henri Matisse, precum și mulți poeți, cum ar fi Paul Verlaine și lt;span class=”marked_text chart-tooltip-țintă-top tooltip_id-apollinaire_guillaume”>Guillaume Apollinaire, compozitorul Arnold Schoenberg, și coregraful George Balanchine.,termenul Rococo și artiștii asociați cu acesta au început să fie reevaluați critic abia la sfârșitul secolului 20, când mișcările artei Pop și lucrările artiștilor precum Damien Hirst, Kehinde Wiley și Jeff Koons au creat un nou context pentru artă exprimând aceleași tratamente ornate, stilistice și capricioase., Rococo a avut o influență contemporană, așa cum se vede în logo – urile lui Ai Weiwei 2017, unde, după cum scria criticul de artă Roger Catlin, „ceea ce arată ca un design de tapet rococo fantezist în alb și negru și în aur este de fapt un aranjament de cătușe, lanțuri, camere de supraveghere, păsări Twitter și alpacas stilizate-un animal care în China a devenit”Mișcarea trăiește, de asemenea, în cultura populară, așa cum se arată în piesa de succes a lui Arcade Fire „Rococo” (2010).