Beginnings of Rococó

in painting Rococó was primarily influenced by the Venetian School’s use of color, erotic subjects, and Arcadian landscapes, while the School of Fontainebleau was foundational to Rococó interior design.

La Escuela Veneciana

señaló pintores Giorgione y Tiziano, entre otros, influyeron en el período Rococó del énfasis en los remolinos de color y erótica en la materia. Concierto Pastoral (C., 1509), atribuido por primera vez a Giorgione, aunque ahora acreditado por la mayoría de los estudiosos como una de las primeras obras de Tiziano, fue clasificado como Fête champêtre, o fiesta al aire libre, por el Louvre cuando se convirtió por primera vez en parte de la colección del Museo. La obra renacentista que representa a dos mujeres desnudas y dos hombres aristocráticos tocando música en un paisaje pastoral idealizado influiría en gran medida en el desarrollo de la Fête galante del Rococó, o pinturas de cortejo. El término se refería a pinturas históricas de tiempos pasados placenteros y se popularizó en las obras de Jean-Antoine Watteau.,

la Escuela de Fontainebleau 1528-1630

En el año 1530, el Rey Francisco I, un destacado mecenas de arte, invitó a la artista italiano Rosso Florentino a la corte francesa, donde, pionero en el estilo cortesano de francés en el Manierismo, Rosso fundó la Escuela de Fontainebleau. La escuela se hizo conocida por su estilo de diseño interior único en el que todos los elementos crearon una unidad altamente coreografiada., Rosso fue pionero en el uso de grandes relieves de estuco como Marcos, adornados con motivos decorativos y dorados que influirían en gran medida en el énfasis del Rococó en los ajustes elaborados.

el Dorado fue una de las principales aportaciones de Fontainebleau, proporcionando exquisito todo su esplendor a los objetos como se ve en Benevento Cellini la famosa Sal de la Bodega (1543), que Francisco I encargó en oro., Incluso los elementos simples de los interiores rococó se acentuaron mucho como se ve en la popularidad de los relojes de cartel, incrustando relojes regulares en intrincados entornos que se parecían a piezas de escultura, y que complementaban a la perfección la apariencia general de sus interiores circundantes.,

la Era del diseño Rococó

el Rococó debutó en el diseño de interiores cuando el grabador Pierre Le Pautre trabajó con el arquitecto Jules Hardouin-Mansart en el Château De Marly (1679-1684), y más tarde en Versalles en 1701 cuando rediseñó los apartamentos privados de Luis XIV. Le Pautre fue pionero en el uso de arabescos, empleando una línea en forma de s O c, colocada en paredes y techos blancos. También utilizó paneles insertados con madera dorada, creando un estilo caprichoso y más ligero., Le Pautre fue conocido principalmente como un ornemaniste, o diseñador de ornamentos, lo que refleja el papel popular en la época de los artesanos y artesanos en el desarrollo del estilo altamente decorativo.

Durante el reinado de Luis XIV, Francia se había convertido en el principal potencia Europea, y la combinación de una gran riqueza y pacífica estabilidad llevó a los franceses a dirigir su atención hacia asuntos personales y el disfrute de los placeres mundanos., Cuando el rey murió en 1715, su heredero Luis XV solo tenía cinco años, por lo que la Regencia, dirigida por el duque de Orleans, gobernó Francia hasta que el delfín alcanzó la mayoría de edad. El Duque era conocido por su estilo de vida hedonista, y la estética Rococó parecía la expresión perfecta de la sensibilidad de la época. Al tomar el trono en 1723, Luis XV también se convirtió en un destacado defensor y mecenas de la arquitectura y el diseño Rococó. Como Francia era el Centro Artístico de Europa, las Cortes artísticas de otros países europeos pronto siguieron su ejemplo en su entusiasmo por adornos similares.,

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau encabezó el período Rococó en la pintura. Nacido en Valenciennes, un pequeño pueblo de Provincia en Bélgica que recientemente se había adherido a los franceses, su precocidad en el arte y el dibujo le llevó a su aprendizaje temprano con un pintor local. Posteriormente se fue a París, donde se ganó la vida produciendo copias de obras de Tiziano y Paolo Veronese., Se unió al estudio de Claude Audran, quien era un reconocido decorador, donde conoció y se convirtió en un colega artístico de Claude Gillot, conocido por su decoración de commedia dell’arte, o producciones de teatro cómico. Como resultado, el trabajo de Watteau a menudo expresaba un enfoque teatral, mostrando figuras disfrazadas entre escenarios de fondo, iluminadas con luz artificial.

En 1712 Watteau entró en el Premio de Roma de la competencia de la Académie Royale de Peinture et de Sculpture, y la Academia admitió él como un miembro de pleno derecho., Su» pieza de recepción » para la Academia, Embarkation for Cythera (1717), lanzó efectivamente el movimiento Rococó. La Academia acuñó el término Fête galante, o partido de cortejo, para referirse a la obra, estableciendo así la categoría que iba a ser un elemento dominante de la pintura rococó. Las pinturas de Fête galante representaban la fête champêtre, o fiesta en el jardín, popular entre la clase aristocrática, donde, vestidos como para un baile o vestidos con trajes, bebían, cenaban y se involucraban en actividades amorosas dentro de los jardines y parques Arcadianos., El tema artístico no solo atrajo a clientes privados, sino que sus paisajes y escenarios mitologizados cumplieron con los estándares de la Academia que clasificó la pintura histórica, incluidos los temas mitológicos, como la categoría más alta.

Claude Audren fue el oficial encargado del Palacio de Luxemburgo y, mientras se trabaja con él, Watteau copiado Pedro Pablo Rubén de la serie de veinte-cuatro pinturas de la Vida de Marie de Medici (1622-25), que se muestra en el palacio., La serie de Ruben, que combina figuras alegóricas y temas mitológicos con representaciones de la Reina y la corte aristocrática, continuó informando el trabajo de Watteau. Rubens había sido pionero en la técnica de trois crayones, es decir, tres tizas, una técnica que utiliza rojo, negro y blanco, para crear efectos coloristas. Watteau dominó la técnica hasta tal punto que su nombre se asoció con ella, y fue ampliamente adoptado por artistas Rococó posteriores, incluido François Boucher.,

François Boucher

influenciado por Rubens y Watteau, François Boucher se convirtió en el artista más reconocido del período Rococó maduro, comenzando en 1730 y durando hasta la década de 1760. conocido por su pintura que combinaba elegancia aristocrática con tratamientos eróticos del desnudo, como se ve en su el inodoro de Venus (1751), fue igualmente influyente en las artes decorativas, escenarios teatrales y diseño de tapices., Fue nombrado primer pintor del Rey en 1765, pero es más conocido por su larga asociación con Madame de Pompadour, la primera amante oficial del Rey Luis XV y un notable mecenas de las artes. Como resultado de su dominio del arte y el diseño Rococó y su patrocinio real, Boucher se convirtió en «uno de esos hombres que representan el gusto de un siglo, que lo expresan, personifican y encarnan», como escribieron los notables autores Edmond y Jules de Goncourt.,

Madame de Pompadour

Madame de Pompadour, nacido Jeanne-Antoinette Poisson, ha sido llamada la «madrina del Rococó», debido a su centralidad en la promoción del estilo y el establecimiento de París como la capital artística de Europa. Influyó en otras aplicaciones del Rococó debido a su patrocinio de artistas como Jean-Marc Nattier, el escultor Jean Baptiste Pigalle, el diseñador de papel pintado Jean-Baptiste Réveillon y el grabador de piedras preciosas Jacques Guay., La primera amante oficial del Rey desde 1745-1751, siguió siendo su confidente y consejera de confianza hasta su muerte a la edad de 42 años debido a la tuberculosis. Su papel y estatus se convirtieron en la definición de facto del patrocinio real.

Rococó: Conceptos, Estilos y Tendencias

Rococó francés

Francia era el centro del desarrollo de Rococó. En el diseño, el salón, una sala para entretener pero también impresionar a los invitados, fue una gran innovación., El ejemplo más famoso fue la Salon de La Princesse (1735-1740) de Charles-Joseph Natoire y Germain Boffrand en la residencia del príncipe y la princesa de Soubise. Las paredes blancas del interior cilíndrico, la madera dorada y muchos espejos crearon un efecto luminoso y aireado. Las decoraciones arabescas, a menudo alusivas a motivos Romanos, cupidos y guirnaldas, se presentaban en estuco dorado y relieve de placa. Las curvas asimétricas, a veces derivadas de formas orgánicas, como conchas marinas o frondas de acanto, eran elaboradas y exageradas., El énfasis mínimo en la arquitectura y el énfasis máximo en la decoración se convertirían en la piedra angular del movimiento Rococó.

la Pintura era una parte esencial del movimiento Rococó en Francia, y la observó los pintores que se llevó el estilo, Antoine Watteau, seguido por François Boucher, influyó en todos los elementos de diseño de interiores para los tapices de la moda. Otros artistas destacados fueron Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier y François Lemoyne., Lemoyne fue conocido por sus pinturas alegóricas históricas como se ve en su apoteosis de Hércules (1733-1736) pintado en el Salón del techo de Hércules en Versalles. Una característica destacada de la pintura rococó francesa fue la manera en que varias familias de artistas notables, como los van Loos y los Coipeles, mantuvieron un estilo y un tema consistentes en sus talleres.

Rococó Italiano

La Pintura tomó el liderazgo en el Rococó Italiano, ejemplificado por las obras del artista veneciano Giambattista Tiepolo., Combinando el énfasis de la escuela veneciana en el color con quadratura, o pinturas de techo, las obras maestras de Tiepolo fueron frescos y grandes retablos. Famoso en toda Europa, recibió muchos encargos reales, como su serie de pinturas de techo en la residencia de Wurzburgo en Alemania, y su apoteosis de la Monarquía Española (1762-1766) en el Palacio Real de Madrid.

Rococó italiano se destacó también por su gran paisaje de artistas conocido como «ver-pintores,» particularmente Giovanni Antonio Canal, conocido simplemente como Canaletto., Fue pionero en el uso de la perspectiva lineal de dos puntos mientras creaba escenas populares de los canales y el esplendor de Venecia. Sus obras, como su Venecia: Santa Maria della Salute (C. 1740), tuvieron una gran demanda entre los aristócratas ingleses. En la década de 1700 se hizo costumbre para los jóvenes aristócratas ingleses ir en un «gran Tour», visitando los sitios destacados de Europa con el fin de aprender las raíces clásicas de la cultura occidental. Los viajes lanzaron una especie de turismo aristocrático, y Venecia fue una parada notable, famosa por su ambiente de carnaval hedonista y vistas pintorescas., Estos jóvenes aristócratas también eran a menudo coleccionistas de arte y mecenas, y la mayoría de las obras de Canaletto fueron vendidas a un público inglés, y en 1746 se trasladó a Inglaterra para estar más cerca de su mercado de arte y vivió allí durante casi una década.

Rosalba Carriera del pastel retratos, tanto en miniatura y de tamaño completo, así como sus trabajos alegóricos fueron en demanda a través de Europa, como fue invitada a la corte real de Francia, Austria y Polonia., Fue pionera en el uso de pasteles, que anteriormente solo se empleaban para dibujos preparatorios, como medio para pintar, y, al unir la tiza en Palos, desarrolló una gama más amplia de trazos y colores preparados. Su retrato de Luis XV como delfín (1720-1721) estableció el nuevo estilo del retrato Rococó, enfatizando el atractivo visual y el efecto decorativo.,

en arquitectura, Italia continuó enfatizando el Barroco con su fuerte conexión con la Iglesia Católica hasta la década de 1720 cuando el arquitecto Filippo Juvarra construyó varios palacios del norte de Italia en estilo rococó. Su obra maestra fue el Palacio Stupinigi (1729-1731), construido como Pabellón de caza para el rey de Cerdeña en Turín. Al mismo tiempo, los interiores rococó se hicieron populares en Génova, Cerdeña, Sicilia y Venecia, donde el estilo tomó variaciones regionales, particularmente en el diseño de muebles., Los interiores Rococó italianos eran particularmente conocidos por sus candelabros y espejos de vidrio veneciano y su rico uso de tapicería de seda y terciopelo.

alemán Rococó

Alemania entusiasmo por el Rococó se expresó exuberantemente y, principalmente, en obras maestras de la arquitectura y diseño de interiores, así como las artes aplicadas., Un elemento destacado del Rococó alemán fue el uso de colores pastel vibrantes como lila, limón, rosa y azul, como se ve en el diseño de François de Cuvilliés del Amalienburg (1734-1739), un pabellón de caza para el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico Carlos VII en Múnich. Su salón de los espejos en Amalienburg ha sido descrito por el historiador del arte Hugh honor como un ejemplo de «elegancia fácil y delicadeza de gasa.»

alemán motivos de diseño, mientras que el empleo de la asimetría y s – y c – formas curvas, a menudo se basó en floral o de temas orgánicos, y empleó a más de detalle., Los arquitectos alemanes también de manera innovadora explorado diversas posibilidades para el diseño de las habitaciones, el corte de las paredes o la fabricación de muros curvos, y de hecho la implantación de los nuevos edificios en un elemento importante en el efecto, como se ha visto en Jacob Prandtauer de la Abadía de Melk (1702-1736)

inglés Rococó

Inglaterra empleo de estilo Rococó, el que fue llamado «estilo francés», era más restringido, ya que los excesos del estilo se encontraron con un sombrío Protestantismo., Como resultado, rocaille introducido por el grabador emigrado Hubert-François Gravelot y el platero Paul de Lamerie, solo se empleó como detalles y motivos ocasionales. Alrededor de 1740 el estilo rococó comenzó a ser empleado en los muebles británicos, sobre todo en los diseños de Thomas Chippendale. Su catálogo Gentleman’s and Cabinet-makers’ directory (1754), ilustrando diseños rococó, se convirtió en un estándar popular de la industria.,

Rococó había más de un impacto en los artistas ingleses como William Hogarth, Thomas Gainsborough, y el Suizo Angelica Kauffman. En su análisis de la belleza (1753) Hogarth abogó por el uso de una línea serpentina, viéndola tanto más orgánica como estéticamente ideal. Gainsborough primero estudió con Gravelot, un ex alumno de Boucher, cuya pincelada plumosa y paleta de colores influyeron en el retrato de Gainsborough hacia la fluidez de la luz y el color. Aunque nacida en Suiza, Angélica Kauffman pasó la mayor parte de su vida en Roma y Londres., De 1766 a 1781 vivió en Londres, donde el influyente Sir Joshua Reynolds admiraba particularmente su retrato. Una de las dos únicas mujeres elegidas para la Royal Academy of Arts de Londres, jugó un papel importante tanto en el avance del estilo rococó como, posteriormente, en el Neoclasicismo.

desarrollos posteriores-después del Rococó

en 1750 Madame de Pompadour envió a su sobrino Abel-François Poisson de Vandières para estudiar los desarrollos en el arte y la arqueología italiana., Al regresar entusiasmado por el arte clásico, Vandières fue nombrado director de los edificios del Rey, donde comenzó a abogar por un enfoque neoclásico. También se convirtió en un destacado crítico de arte, condenando el petit style de Boucher, o «little style».»Pensadores destacados de la época, incluido el filósofo Voltaire, El crítico de arte Diderot también criticó el Rococó como superficial y decadente. Estas tendencias, junto con un creciente fervor revolucionario en Francia hicieron que el Rococó cayera en desgracia en 1780.,

el nuevo movimiento Neoclasicismo, dirigido por el artista Jacques-Louis David, enfatizó el heroísmo y la virtud moral. Los estudiantes de arte de David incluso cantaron el canto burlón, «Vanloo, Pompadour, Rococó», destacando el estilo, uno de sus principales artistas, y el mecenas más destacado. Como resultado, en 1836 se usó para significar «anticuado», y en 1841 se usó para denotar obras vistas como «insípidamente floridas u ornamentadas.»The negative connotations continued into the 20th century, as seen in the 1902 Century Dictionary description «Hence rococo is used…, para notar cualquier cosa débilmente pretenciosa e insípida en el arte o la literatura.»

El diseño y la pintura rococó girarían hacia caminos divergentes, ya que el diseño Rococó, a pesar de las nuevas tendencias en la capital, continuó siendo popular en todas las provincias francesas. En la década de 1820 bajo la monarquía restaurada del Rey Luis Felipe, un renacimiento llamado el «segundo estilo rococó» se hizo popular y se extendió a Gran Bretaña y Baviera. En Gran Bretaña, el Renacimiento se conoció como Rococó victoriano y duró hasta alrededor de 1870, mientras que también influyó en el Renacimiento Rococó Estadounidense en los Estados Unidos, dirigido por John Henry Belter., El estilo, ampliamente empleado para hoteles de lujo, fue apodado «le gout Ritz» en el siglo 20. Sin embargo, en la pintura el Rococó cayó en desgracia, con la excepción de las pinturas de género de Chardin, altamente elogiadas por Diderot, que continuaron siendo influyentes y más tarde tendrían un notable impacto en Paul Cézanne, Édouard Manet y Vincent Van Gogh.

Edmund y Jules de Goncourt redescubrieron al mayor pintor Rococó Jean-Honoré Fragonard en L’Art du XVIIIe siècle (arte del siglo XVIII) (1865)., Posteriormente influyó en los impresionistas, especialmente Pierre-Auguste Renoir y Berthe Morisot, y ha influido en artistas contemporáneos como Yinka Shonibare, Kent Monkman y Lisa Yuskavage.,

también redescubierto por los hermanos de Goncourt, los temas de la commedia dell’arte de Watteau influenciaron a Pablo Picasso, Cézanne y Henri Matisse, así como a muchos poetas como Paul Verlaine y lt;span class=»marked_text chart-tooltip-target-top tooltip_id-apollinaire_guillaume»>Guillaume Apollinaire, el compositor Arnold Schoenberg, y el coreógrafo George Balanchine.,

El término Rococó y los artistas asociados con él solo comenzaron a ser reevaluados críticamente a finales del siglo XX, cuando los movimientos del arte Pop y las obras de artistas como Damien Hirst, Kehinde Wiley y Jeff Koons crearon un nuevo contexto para el arte expresando los mismos tratamientos ornamentados, estilísticos y caprichosos., El rococó ha tenido una influencia contemporánea como se ve en Logos 2017 de Ai Weiwei, donde, como escribió El crítico de arte Roger Catlin, » lo que parece un elegante diseño de papel pintado rococó en blanco y negro y en oro es en realidad un arreglo de Esposas, cadenas, cámaras de vigilancia, pájaros de Twitter y alpacas estilizadas, un animal que en China se ha convertido en un meme contra la censura. El movimiento también vive en la cultura popular, como se muestra en la canción de Arcade Fire «Rococo» (2010).