débuts du Rococo

dans la peinture, le Rococo a été principalement influencé par l’utilisation de la couleur, des sujets érotiques et des paysages Arcadiens par l’école vénitienne, tandis que L’école de Fontainebleau a été fondatrice du design D’intérieur Rococo.

L’École Vénitienne

Les peintres de Giorgione et de Titien, entre autres, ont influencé le style Rococo de la période accent sur tourbillonnant couleur et érotique sujet. Pastorale Concert (c., 1509), d’abord attribué à Giorgione, bien que maintenant crédité par la plupart des érudits comme l’une des premières œuvres de Titien, a été classé comme Fête champêtre, ou fête en plein air, par le Louvre quand il est entré dans la collection du musée. L’œuvre de la Renaissance représentant deux femmes nues et deux hommes aristocratiques jouant de la musique dans un paysage pastoral idéalisé influencerait fortement le développement de la Fête galante du Rococo, ou peintures de parade nuptiale. Le terme fait référence aux peintures historiques des temps passés agréables et s’est popularisé dans les œuvres de Jean-Antoine Watteau.,

école de Fontainebleau 1528-1630

en 1530, le roi François Ier, un célèbre mécène d’art, invita L’artiste italien Rosso Florentino à la Cour de France, où, pionnier du style courtois du Maniérisme Français, Rosso fonda l’école de Fontainebleau. L’école est devenue connue pour son style de design d’intérieur unique dans lequel tous les éléments ont créé une unité hautement chorégraphiée., Rosso a été le pionnier de l’utilisation de grands reliefs en stuc comme cadres, ornés de motifs décoratifs et dorés qui influenceraient fortement L’accent du Rococo sur les décors élaborés.

la dorure a été une contribution clé de Fontainebleau, offrant une splendeur exquise aux objets comme on le voit dans la célèbre Saline de Benevento Cellini (1543), que François Ier a commandée en or., Même les éléments simples des intérieurs Rococo sont devenus très accentués comme on le voit dans la popularité des horloges cartel, intégrant des horloges régulières dans des environnements complexes qui ressemblaient à des morceaux de sculpture, et qui complétaient parfaitement l’aspect général et la sensation de leurs intérieurs environnants.,

L’ère du Rococo

le Rococo fait ses débuts dans le design d’intérieur lorsque le graveur Pierre Le Pautre travaille avec L’architecte Jules Hardouin-Mansart sur le Château de Marly (1679-1684), puis à Versailles en 1701 lorsqu’il redessine les appartements Le Pautre a été le pionnier de l’utilisation des arabesques, utilisant une ligne en forme de s ou de c, placée sur des murs et des plafonds blancs. Il a également utilisé des panneaux encastrés avec des boiseries dorées, créant un style fantaisiste et plus léger., Le Pautre était principalement connu comme un ornemaniste, ou concepteur d’ornement, ce qui reflète le rôle populaire à l’époque des artisans et des artisans dans le développement du style hautement décoratif.

sous le règne de Louis XIV, la France était devenue la puissance européenne dominante, et la combinaison d’une grande richesse et d’une stabilité paisible a conduit les Français à se tourner vers les affaires personnelles et la jouissance des plaisirs mondains., Lorsque le roi mourut en 1715, son héritier Louis XV n’avait que cinq ans, de sorte que la Régence, dirigée par le Duc d’Orléans, gouverna la France jusqu’à la majorité du Dauphin. Le Duc était connu pour son style de vie hédoniste, et L’esthétique Rococo semblait l’expression parfaite de la sensibilité de l’époque. Prenant le trône en 1723, Louis XV est également devenu un partisan et un mécène notoire de l’architecture et du design Rococo. La France étant le centre artistique de l’Europe, les cours artistiques des autres pays européens ont rapidement emboîté le pas dans leur enthousiasme pour des embellissements similaires.,

Jean-Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau fer de lance de la période Rococo peinture. Né à Valenciennes, un petit village de province en Belgique qui avait récemment été accédé aux français, sa précocité dans l’art et le dessin l’a conduit à son apprentissage précoce auprès d’un peintre local. Par la suite, il se rendit à Paris où il gagna sa vie en produisant des copies d’œuvres de Titien et de Paolo Veronese., Il rejoint L’atelier de Claude Audran, décorateur de renom, où il rencontre et devient un collègue artistique de Claude Gillot, connu pour sa décoration de commedia dell’arte, ou productions théâtrales comiques. En conséquence, le travail de Watteau exprimait souvent une approche théâtrale, montrant des personnages en costume au milieu de décors éclairés de lumière artificielle.

En 1712 Watteau entré dans le Prix de Rome de la concurrence de l’Académie Royale de Peinture et de Sculpture, et l’Académie a admis lui comme un membre à part entière., Sa » pièce de réception  » pour L’Académie, embarquement pour Cythère (1717), a effectivement lancé le mouvement Rococo. L’Académie a inventé le terme Fête galante, ou fête de la parade nuptiale, pour désigner l’œuvre, établissant ainsi la catégorie qui devait être un élément dominant de la peinture Rococo. Les peintures de la Fête galante représentaient la fête champêtre, ou garden party, populaire parmi la classe aristocratique, où, habillés comme pour un bal ou portant des costumes, ils vinaient, dînaient et se livraient à des activités amoureuses dans les jardins et les parcs Arcadiens., Le sujet artistique a non seulement fait appel à des mécènes privés, mais ses paysages et ses décors mythifiés ont répondu aux normes de l’Académie qui a classé la peinture historique, y compris les sujets mythologiques, comme la catégorie la plus élevée.

Claude Audren était le Gardien officiel du Palais du Luxembourg et, tout en travaillant avec lui, Watteau a copié la série de Peter Paul Ruben de vingt-quatre peintures de la vie de Marie de Médicis (1622-25), qui a été exposée au palais., La série de Ruben, combinant des figures allégoriques et des sujets mythologiques avec des représentations de la Reine et de la Cour aristocratique, a continué d’informer L’œuvre de Watteau. Rubens avait été le pionnier de la technique des trois crayons, c’est-à-dire des trois craies, une technique utilisant le rouge, le noir et le blanc, pour créer des effets coloristiques. Watteau a maîtrisé la technique à un point tel que son nom y est associé, et il a été largement adopté par les artistes Rococo ultérieurs, y compris François Boucher.,

François Boucher

influencé par Rubens et Watteau, François Boucher est devenu l’artiste le plus renommé de la période rococo mature, à partir de 1730 et jusqu’aux années 1760. remarqué pour sa peinture qui combine l’élégance aristocratique avec des traitements érotiques du nu, comme on le voit dans sa toilette de Vénus (1751), il a été tout aussi influent dans les arts décoratifs, les décors théâtraux et la conception de tapisserie., Il a été nommé Premier peintre du Roi en 1765, mais est surtout connu pour son association de longue date avec Madame de Pompadour, la première maîtresse officielle du roi Louis XV et une mécène notoire des arts. Grâce à sa maîtrise de L’art et du design Rococo et à son mécénat royal, Boucher est devenu « l’un de ces hommes qui représentent le goût d’un siècle, qui l’expriment, le personnifient et l’incarnent », comme l’ont écrit les célèbres auteurs Edmond et Jules de Goncourt.,

Madame de Pompadour

Madame de Pompadour, née Jeanne-Antoinette Poisson, qui a été appelé la « marraine du Rococo, » en raison de son caractère central dans la promotion du style et de l’établissement de Paris comme la capitale artistique de l’Europe. Elle a influencé d’autres applications du Rococo en raison de son patronage d’artistes tels que Jean-Marc Nattier, le sculpteur Jean Baptiste Pigalle, le concepteur de papier peint Jean-Baptiste Réveillon et le graveur de pierres précieuses Jacques Guay., Première maîtresse officielle du roi de 1745 à 1751, elle est restée sa confidente et sa conseillère de confiance jusqu’à sa mort à l’âge de 42 ans des suites d’une tuberculose. Son rôle et son statut sont devenus la définition de facto du patronage royal.

Rococo: Concepts, de Styles et de Tendances

Rococo français

la France était le centre du développement du Rococo. Dans le design, le salon, une salle pour divertir mais aussi impressionner les invités, était une innovation majeure., L’exemple le plus célèbre est le Salon de la Princesse (1735-1740) de Charles-Joseph Natoire et Germain Boffrand dans la résidence du Prince Et De La Princesse de Soubise. Les murs blancs de l’intérieur cylindrique, le bois doré et les nombreux miroirs ont créé un effet léger et aéré. Les décorations arabesques, faisant souvent allusion à des motifs Romains, des cupidons et des guirlandes, étaient présentées en stuc doré et en relief. Les courbes asymétriques, parfois dérivées de formes organiques, telles que des coquillages ou des frondes d’acanthe, étaient élaborées et exagérées., L’accent minimal mis sur l’architecture et l’accent maximal mis sur le décor deviendraient la pierre angulaire du mouvement Rococo.

La peinture était une partie essentielle du mouvement Rococo en France, et les peintres notés qui ont dirigé le style, Antoine Watteau suivi de François Boucher, ont influencé tous les éléments du design, des intérieurs aux tapisseries en passant par la mode. Jean-Baptiste van Loo, Jean-Marc Nattier et François Lemoyne sont d’autres artistes reconnus., Lemoyne était connu pour ses peintures allégoriques historiques comme on le voit dans son apothéose D’Hercule (1733-1736) peint sur le plafond du salon D’Hercule à Versailles. Une caractéristique notée de la peinture Rococo française était la manière dont un certain nombre de familles d’artistes notées, telles que les van Loos et les Coypels, maintenaient un style et un sujet cohérents dans leurs ateliers.

Rococo Italien

La peinture a pris la tête du Rococo Italien, illustrée par les œuvres de L’artiste vénitien Giambattista Tiepolo., Combinant l’Accent de l’école vénitienne sur la couleur avec quadratura, ou peintures de plafond, les chefs-d’œuvre de Tiepolo étaient des fresques et de grands retables. Célèbre dans toute l’Europe, il reçoit de nombreuses commandes royales, comme sa série de peintures au plafond de la Wurzburg Residenz en Allemagne, et son apothéose de la monarchie espagnole (1762-1766) au Palais Royal de Madrid.

le Rococo italien était également connu pour ses grands paysagistes connus sous le nom de « peintres-vues », en particulier Giovanni Antonio Canal, connu simplement sous le nom de Canaletto., Il a été le pionnier de l’utilisation de la perspective linéaire à deux points tout en créant des scènes populaires des canaux et de L’apparat de Venise. Ses œuvres, comme son Venise: Santa Maria della Salute (vers 1740), étaient très demandées par les aristocrates anglais. Dans les années 1700, il est devenu habituel pour les jeunes aristocrates anglais de faire un « grand Tour », visitant les sites remarquables de l’Europe afin d’apprendre les racines classiques de la culture occidentale. Les voyages ont lancé une sorte de tourisme aristocratique, et Venise était une étape remarquée, célèbre pour son atmosphère de carnaval hédoniste et ses vues pittoresques., Ces jeunes aristocrates étaient aussi souvent des collectionneurs d’art et des mécènes, et la plupart des œuvres de Canaletto ont été vendues à un public anglais, et en 1746, il a déménagé en Angleterre pour être plus proche de son marché de l’art et y a vécu pendant près d’une décennie.

Les portraits au pastel de Rosalba Carriera, à la fois miniatures et grandeur nature, ainsi que ses œuvres allégoriques étaient en demande dans toute l’Europe, alors qu’elle était invitée dans les cours royales de France, D’Autriche et de Pologne., Elle a été la pionnière de l’utilisation des pastels, auparavant utilisés uniquement pour les dessins préparatoires, comme support pour la peinture, et, en liant la craie dans des bâtons, a développé une gamme plus large de traits et de couleurs préparées. Son Portrait de Louis XV en Dauphin (1720-1721) a établi le nouveau style de portrait Rococo, mettant l’accent sur l’attrait visuel et l’effet décoratif.,

en architecture, L’Italie a continué à mettre l’accent sur le Baroque avec son lien fort avec l’Église catholique jusqu’aux années 1720, lorsque L’architecte Filippo Juvarra a construit plusieurs palais du Nord de l’Italie dans le style Rococo. Son chef-d’œuvre était le Palais Stupinigi (1729-1731), construit comme pavillon de chasse pour le roi de Sardaigne à Turin. Dans le même temps, les intérieurs Rococo sont devenus populaires à Gênes, en Sardaigne, en Sicile et à Venise où le style a pris des variations régionales, en particulier dans la conception de meubles., Les intérieurs Rococo Italiens étaient particulièrement connus pour leurs lustres et miroirs en verre vénitien et leur riche utilisation de tissus d’ameublement en soie et en velours.

allemand Rococo

l’Allemagne enthousiasme pour le Rococo s’exprime avec éclat et principalement dans des chefs-d’œuvre architecturaux et de design d’intérieur, ainsi que les arts appliqués., Un élément remarquable du Rococo allemand était l’utilisation de couleurs pastel vibrantes comme le lilas, le citron, le rose et le bleu comme On le voit dans la conception de François de Cuvilliés de L’Amalienburg (1734-1739), un pavillon de chasse pour L’Empereur du Saint-Empire romain germanique Charles VII à Munich. Sa galerie des glaces à Amalienburg a été décrite par L’historien de l’art Hugh Honour comme un exemple « d’élégance facile et de délicatesse gossamer. »

allemand motifs tout en employant de l’asymétrie et de s – et c – formes courbes, souvent appuyé sur floraux ou organiques motifs, et emploie plus de détails., Les architectes allemands ont également exploré de manière innovante diverses possibilités pour la conception de pièces, découpant des murs ou faisant des murs courbes, et ont fait de l’implantation de nouveaux bâtiments un élément important de l’effet, comme on le voit dans L’Abbaye de Melk de Jacob Prandtauer (1702-1736)

rococo anglais

, « était plus sobre, car les excès du style se heurtaient à un protestantisme sombre., En conséquence, rocaille introduit par le graveur émigré Hubert-François Gravelot et L’orfèvre Paul de Lamerie, n’a été employé que comme détails et motifs occasionnels. Vers 1740, le style Rococo commence à être utilisé dans le mobilier britannique, notamment dans les dessins de Thomas Chippendale. Son catalogue Gentlemen’s and Cabinet-makers’ directory (1754), illustrant des dessins Rococo, est devenu un standard populaire de l’industrie.,

Rococo avait plus d’impact sur les artistes Britanniques tels que William Hogarth, Thomas Gainsborough, et la Suisse Angelica Kauffman. Dans son analyse de la beauté (1753), Hogarth préconisait l’utilisation d’une ligne serpentine, la voyant à la fois plus organique et esthétiquement idéale. Gainsborough a d’abord étudié avec Gravelot, un ancien élève de Boucher, dont le pinceau plumeux et la palette de couleurs ont influencé le portrait de Gainsborough vers la fluidité de la lumière et de la couleur. Bien que née en Suisse, Angelica Kauffman a passé la majeure partie de sa vie à Rome et à Londres., De 1766 à 1781, elle vit à Londres où L’influent Sir Joshua Reynolds admire particulièrement ses portraits. L’une des deux seules femmes élues à la Royal Academy of Arts de Londres, elle a joué un rôle important dans l’avancement du style Rococo et, par la suite, du néoclassicisme.

développements ultérieurs – après le Rococo

en 1750, Madame de Pompadour envoie son neveu Abel-François Poisson de Vandières étudier les développements de l’art italien et de l’archéologie., De retour avec un enthousiasme pour l’art classique, Vandières est nommé directeur des bâtiments du Roi où il commence à plaider pour une approche néoclassique. Il est également devenu un critique d’art reconnu, condamnant le petit style de Boucher, ou « petit style. »Penseurs notés de l’époque, dont le philosophe Voltaire, le critique D’art Diderot a également critiqué le Rococo comme superficiel et décadent. Ces tendances, ainsi qu’une ferveur révolutionnaire croissante en France, ont fait tomber le Rococo en disgrâce en 1780.,

le nouveau mouvement Néoclassicisme, dirigé par L’artiste Jacques-Louis David, mettait l’accent sur l’héroïsme et la vertu morale. Les étudiants en art de David ont même chanté le chant dérisoire, « Vanloo, Pompadour, Rococo », en distinguant le style, l’un de ses principaux artistes, et le plus célèbre mécène. En conséquence, en 1836, il a été utilisé pour signifier « démodé », et en 1841 a été utilisé pour désigner les œuvres considérées comme « insipide fleuri ou orné. »Les connotations négatives ont continué au 20ème siècle, comme on le voit dans la description du dictionnaire du siècle 1902 « d’où le rococo est utilisé…, pour noter quelque chose de faiblement prétentieux et insipide dans l’art ou la littérature. »

Le design et la peinture Rococo viendraient vers des chemins divergents, car le design Rococo, malgré les nouvelles tendances dans la capitale, continuait d’être populaire dans toutes les provinces françaises. Dans les années 1820, sous la monarchie restaurée du roi Louis Philippe, un renouveau appelé le « second style Rococo » est devenu populaire et s’est répandu en Grande-Bretagne et en Bavière. En Grande-Bretagne, le renouveau est devenu connu sous le nom de Rococo victorien et a duré jusqu’à environ 1870, tout en influençant le renouveau Rococo américain aux États-Unis, dirigé par John Henry Belter., Le style, largement utilisé pour les hôtels haut de gamme, a été surnommé « le gout Ritz » au 20ème siècle. Cependant, dans la peinture Rococo est tombé en disgrâce, à l’exception des peintures de genre de Chardin, très loué par Diderot, qui a continué à être influent et fera plus tard un impact remarqué sur Paul Cézanne, Édouard Manet, et Vincent van Gogh.

Edmund et Jules de Goncourt redécouvrent le grand peintre Rococo Jean-Honoré Fragonard dans L’art du XVIIIe siècle (1865)., Il a ensuite influencé les impressionnistes, en particulier Pierre-Auguste Renoir et Berthe Morisot, et a continué à influencer des artistes contemporains comme Yinka Shonibare, Kent Monkman, et Lisa Yuskavage.,

également redécouvertes par les frères de Goncourt, Les sujets de la commedia dell’arte de Watteau ont influencé Pablo Picasso, Cézanne et Henri Matisse, ainsi que de nombreux poètes tels que Paul Verlaine et lt; span class = « marked_text chart-tooltip-target-top tooltip_id-apollinaire_guillaume » >Guillaume Apollinaire, le compositeur Arnold Schoenberg et le chorégraphe George Balanchine.,

Le terme Rococo et les artistes qui lui sont associés n’ont commencé à être réévalués de manière critique qu’à la fin du 20e siècle, lorsque les mouvements du Pop Art et les œuvres d’artistes comme Damien Hirst, Kehinde Wiley et Jeff Koons ont créé un nouveau contexte pour l’art exprimant les mêmes traitements ornés, stylistiques et fantaisistes., Rococo a eu une influence contemporaine comme on le voit dans Logos 2017 D’Ai Weiwei où, comme L’a écrit le critique D’art Roger Catlin,  » ce qui ressemble à un design de papier peint rococo de fantaisie en noir et blanc et en or est en fait un arrangement de Menottes, Chaînes, caméras de surveillance, oiseaux Twitter et alpagas stylisés – un animal »Le mouvement vit aussi dans la culture populaire, comme le montre la chanson à succès D’Arcade Fire » Rococo  » (2010).